superSymmetryの2014年からのリールクリップ。 映像の拡張をコンセプトにアートワークとクライアントワークを交差し活動してきた記録。

日本橋イマーシブミュージアムのための映像作品。2018年から取り組んでいる空間映像作品Noesisのなかのクリップの一を、イマーシブミュージアムの四角い空間のために再構成しました。2023年7月から9月まで公開。

作品について 「sonus-oleum ; ソノソリアム」は、船を模した施設（T-LOTUS M）の3フロア（B1F、1F、屋上）それぞれで異なる形態の作品を体験することができるライブ・インスタレーション作品。"音楽が船を動かすエネルギーとなる"と想定し、船の中で生まれた音楽の姿を以下4つの形式で表現した。 ライブパフォーマンス 1 ー音楽の誕生ー 本作品はB1Fでのライブパフォーマンスから始まる。音楽は江﨑文武氏が本ライブ・インスタレーションのために作曲したオリジナル楽曲。演奏は、江﨑文武氏（ピアノ）、常田俊太郎氏（バイオリン）、村岡苑子氏（チェロ）と自動演奏ピアノによる。会場は演奏者の両サイドに3m × 4mのスクリーンを8面設置し、来場者が音楽と映像に包み込まれるように構成した。スクリーンには、楽器と連動して動くリアルタイムモーショングラフィックスを投影。リアルタイムモーショングラフィックスを構成する要素は、ピアノから出力される鍵盤（88鍵）とペダルを押した時の強さや長さと、指輪デバイスを使って取得されるバイオリンとチェロ奏者の手の動き。奏者の動きと連動するリアルタイムモーショングラフィックは、音楽のエネルギーが生まれ上層に浮遊していく様子を描いている。 インタラクティブ展示 ー映像による変奏ー B1Fのライブパフォーマンスで生まれた音楽のエネルギーは、泡となり1Fのインタラクティブ作品の中に現れる。1F会場内には、2.4m × 2.4mの透過スクリーンを窓に合わせて7面設置し、インタラクティブ映像を投影。来場者がそれぞれのスクリーンに映し出されている泡に触れることで、泡が分裂し、オリジナル楽曲の一音一音が別の音色に変化する。偶然性によって生まれる変奏曲が無限に生成され続ける。 プロジェクションマッピング ー音楽が風をおこすー 1Fで生成された変奏曲は、さらに屋上へ上がり、船を動かすための風をおこす。音楽の力により巻きおこった風が帆にあたる様子を、30,000ルーメンの大型プロジェクター4台によって来場者の頭上に映し出した。 ライブパフォーマンス 2 ー還ってきた音とのセッションー B1Fで実施された2回目のライブパフォーマンスは、1Fで来場者が泡に触れることで生成される変奏曲を自動演奏ピアノがリアルタイムに演奏し、それに合わせて江﨑氏（ピアノ）、常田氏（バイオリン）、村岡氏（チェロ）が即興で演奏した。来場者によって生成される変奏曲と、即興の生演奏、リアルタイムモーショングラフィックスの協奏は新しい音楽の形態を感じさせるものとなった。 本ライブ・インスタレーションでは、この4つのプロセスを経て「unlearn（学びほぐし）」され、新しい音へと生まれ変わり循環していく風景を生み出した。作品名の「sonus-oleum ; ソノソリアム」とは、音 = sonus（ソノス）と、石油 = petroleum（ペトロリアム）との造語。

VJとして可視と不可視が交差する空間表現を探求し続けてきた COSMIC LAB によるXR オーディオ・ヴィジュアル・ショウケース。 COSMIC LABが開発を加速させたXR（エクスパンデッド・リアリティー） Live System を駆使して、大阪・味園ユニバースで拡張される現実空間からライブストリーミングを行った。 エクスペリメンタルに表現を究め続ける∈Y∋による、リスト装着型とコーン形状の2種の特殊デバイスと接続された身体で奏でる発光サウンドパフォーマンスを、COSMIC LABがXR視覚空間へと増幅させた。

楽天グループのビジネスカンファレンス　Rakuten OPTIMISMのオープニングムービー 楽天の各サービスのロゴをプロシージャル手法を用いたモーショングラフィックで構成した。 音楽は国内外のレーベルからのリリースに加え、ライブ、レーベル運営、イベントオーガナイズ等も手掛けるIkuko Morozumiによるオリジナル。

本作は、2024年7月から8月にかけて1週間開催された「表参道 interactivité 展」におけるパフォーマンスとして制作されたオーディオビジュアル・ライブである。テーマである «interactivité»（二つ以上の存在のあいだに生じる対話）をもとに、音と形態が互いに応答しながら変化していく様子をリアルタイムに表現した。 映像は波や立方体の集合といったモチーフを基盤に展開し、中盤のパートでは建築物が登場する。ここでは、monoton による建築構想「方角を棲み分ける家」のモデルを使用しており、TouchDesigner 上でパラメトリックに設計できるよう構築した。 間取りや構造に関する各種パラメーターを変化させ、カメラの視点や断面の切り取りを操作しながら、音と建築形態の関係を提示している。 音楽は Ableton Live を用いたライブ演奏によって生成され、その出力から送信される OSC 信号や MIDI コントローラーの入力がビジュアルの制御に反映される。映像は TouchDesigner によるリアルタイムレンダリングで構成され、音とビジュアルが呼応しながら展開していく様子を観客に提示した。

全てTouchDesignerのリアルタイムレンダリングによるビジュアルで構成された2024年のVJリール。

サウンドプロデューサー・SKYTOPIAとの継続的な音楽・映像コラボレーション企画の集大成として、EPリリースパーティを開催。セットリスト後半よりVJを担当した。 代官山シアターギルドに常設の4K LEDスクリーンを大胆に活用し、空間全体を包み込むような演出を構築。今回のパフォーマンスでは初の試みとして、TouchDesignerによるAudio Reactiveシステムを導入した。リアルタイムで音響信号に反応するヴィジュアルとエフェクトの生成により、音と映像がダイナミックに溶け合う表現を試みている。 一方で、COMP構造の煩雑さや操作の柔軟性など、構築面での課題も少なくなかった。今後はレイアウトの整備や操作性の向上を含めたシステムの再設計を視野に、引き続きアップデートを重ねていく。

SOUL MOTION は、ユニフォームに組み込まれたロケーションタグを用いたインタラクティブマップです。センサーはリアルタイムのデータを捉えるとともに、過去3日間の天候やコミュニケーションの総量、来場者数、個々の軌跡といった記録を映し出します。 来場者が「土」や「ソファ」のゾーンに近づくと、仮想の微生物がその位置に群がり、環境条件によって繁殖したり衰えたりする様子を映します。センサーに軽く触れるとそれらは散り去り、絶えず変化する動的な地図が現れます。 微生物やテクノロジー、人間関係の繊細なリズムといった不可視のプロセスを映し出すことで、SOUL MOTION は私たちを取り巻く隠れた環境を見直し、人と人、人と自然とのつながりを改めて考えるきっかけを生み出します。 SOUL MOTION is an interactive map and art installation that visualises the live movements, distances travelled, and communications between six staff members wearing sensor-embedded garments. The sensors capture both real-time data as well as archive records from the past three days, including weather conditions, levels of communication, visitor numbers, and individual activity trails. As participants approach the soil or sofa zones, virtual microbes begin to cluster around their positions, echoing how microorganisms thrive or diminish depending on environmental conditions. A simple tap on the sensors makes the microbes disperse, transforming the experience into a dynamic microbial map that constantly shifts between presence and absence. By rendering these invisible processes such as microbes, technology, and the subtle rhythms of human interaction, SOUL MOTION invites visitors to reconsider the hidden environments around them and to reflect on how we connect not only with one another, but also with nature itself and encourages communications.

立命館大学 大阪いばらきキャンパスにて開催されたオーディオビジュアルイベント「Flow vol.8」（2025）で演奏したソロライブの記録映像である。音と映像のすべてを一人でリアルタイムに演奏している。 会場には300インチのLEDスクリーンが設置されており、その脇のガラス窓が、夜間に鏡のようにスクリーンを反射する。この環境を演出に活用するため、ビジュアルが実体のスクリーンと反射像との間を行き来する設計を行った。具体的には、仮想的なスクリーン横2枚分のキャンバスに対してレンダリングを行い、それを折り返して重ねたものをスクリーンに表示することで、映像がスクリーンからガラスへ移動し、また戻ってくる。観客は、実体のスクリーンと虚像の境界が溶け、映像が両者の間を自由に行き来する感覚を体験する。タイトル「Mirrored」はこの反射の構造に由来する。 また、300インチLEDの輝度は会場の照明そのものとして機能するため、フラッシュや画面全体の明度の制御を通じて、空間全体の明暗と演出の緩急を設計した。 音楽とビジュアルはOSCによって連動しており、すべての映像はリアルタイムにレンダリング・制御されている。音響は4chサラウンド出力により空間に配置されており、映像の反射と合わせて、視覚と聴覚の双方から観客を包囲する設計とした。会場に固有の条件から着想した、その場でしか成立しないパフォーマンスである。

AからZまでの26文字をそれぞれ頭文字に持つアルゴリズムを探し、それらを用いて動くタイポグラフィを作った。 NFTの登場以降、ジェネラティブアートというジャンルが再評価されている。私自身、長年コードを書き作品を作っているものの「ジェネラティブアートとは？」と問われるとよくわからなくなる。ジェネラティブアートの核となるのはアルゴリズムであり、もちろん自作することも可能だが“名作”アルゴリズムがすでに多く存在している。本作ではそれらをJavaScriptで改めて実装した。 この活動を通し、アートとかデザインとか関係なく、コーディングやアルゴリズムが持つ魅力について考えたい。またAI時代に無視されがちな過程に重きを置き、実装の楽しさを再度たぐり寄せる試みでもある。

Volca I, II, IIIのインスタレーション。中国の主要都市の巨大LEDスクリーンにて展示。 Volcaはエネルギーの凝縮を表現し、デジタルなマグマとして絶えず色と形を変容させていきます。 Poly Art Digital Gallery とのコラボレーションによるプロジェクト。 展示都市：上海、武漢、深圳。 Art installations, Volca I, II, III, on view across massive LED screens in major cities in China — a collaboration with Poly Art Digital Gallery by Beijing Poly Art. Volca expresses a concentration of energy, endlessly transforming in colour and form as digital magma. Locations: Shanghai, Wuhan, Shenzhen. Poly Art Digital Art Gallery, founded by Beijing Poly Art (保利当代艺术), connects digital artists from around the world and presents digital cultural and artistic content through innovative displays in urban public spaces.

NEORT++で行われた北千住デザインの個展。

和歌山の深い歴史と壮大な自然を背景に、神仏習合などに見られる異なる宗教やジャンルが融合する「混ざる・結ぶ」をテーマとした30分のオーディオビジュアル・インスタレーション。高野山や熊野三山、そして南方熊楠の思想に見られる和歌山の「寛容の精神」を、紀州の巨木を想起させる高さ4M、８本のトーテムに映し出された映像と音楽の体験。 宗教や身分、国籍、思想の違いを超え、すべてを受け入れ共存してきた和歌山の特性を、熊野詣になぞらえ、未来・過去・現在、そして再び未来へと巡る旅として描きます。この旅は“よみがえり”の体験であり、神仏習合の精神を反映した、和の伝統とデジタル、リアルと仮想、西洋と東洋が交わる空間です。
そこには南方熊楠が唱えた「真理は両者の中間にある」という思想が息づいています。 宗教や身分、国籍、思想の違いを超え、すべてを受け入れ共存してきた和歌山の特性を、熊野詣になぞらえ、未来・過去・現在、そして再び未来へと巡る、「よみがえりの旅」として描きます。 熊野詣の参拝順路とご利益の象徴 熊野本宮大社 — 未来 熊野速玉大社 — 過去 熊野那智大社 — 現在 熊野本宮大社（再び戻る） — 未来・よみがえり 映像インスタレーションは、この4つのパートで構成されています。 01. 未来（FUTURE） 期待感と霊性が交錯する始まりの瞬間。
光の揺らめきや鼓動、色彩の変化を通して、何かが生まれようとする世界を描きます。 02. 過去（PAST） 和歌山の起源に迫る旅。
火山活動、自然、曼荼羅絵巻など、歴史的要素を巡りながら、土地の深い記憶を辿ります。 03. 現在（PRESENT） 和歌山百景ともいえる多様な風景を巡る章。
現代の和歌山に息づく文化、人々の営み、美しさを映し出します。 04. 未来・よみがえり（FUTURE / RESURRECTION） 未来へとつながる「よみがえり」をテーマに、逆再生の映像を用いた幻想的なエンディング。
宗教、ジェンダー、ナショナリティの垣根を超える象徴として、トーテムが現れ、「寛容の精神」を映像で体現します。 イベントムービーについて 高野山密教における五大元素「火・水・風・空・地」の概念を映像表現に落とし込み、
それらが融合し宇宙を構成する流れを可視化。
和歌山が持つ精神世界の奥行きを、視覚的・感覚的に伝えます。 「混ざる、結ぶ。」とは 日本の造化三神のひとつであるタカムスビノカミ、カミムスビノカミにも見られる「ムス」という言葉は、
「生む」「産む」を意味し、新しい命や関係を生み出す力を表します。
「ムスコ」「ムスメ」という言葉にも通じるように、
「ムス」は古来より“生成”や“結び”を意味する、日本語の根幹にある概念です。 神社や聖域に見られる、しめ縄や紙垂は、空間を神聖し、神を招くための“結び”の象徴です。 この「ムス（Musubu）」こそ、最古の文化を今に伝える和歌山の精神を象徴する言葉として、本作品のテーマに選びました。

SOUL BUBBLE は、個人の精神と身体の状態を映し出す没入型のアートインスタレーションです。十一面のスクリーンに囲まれた空間で、来場者はAIとセンサーを備えた一人用のソファに腰掛けます。ソファは姿勢や重心の変化、心拍、呼吸、手の動きを読み取り、その信号をリアルタイムに可視化します。 リラックス、集中、緊張、不安、興奮、瞑想、混乱といった心身の状態は解析され、微生物のようなパターンとなって空間全体に広がっていきます。体験の最後には、自らの行動データがスクリーンに映し出され、保存され、AIシステムの進化へとつながります。 参加者が増えるごとに、個人と集団のデータが積み重なり、差異や分布、新たな傾向が浮かび上がります。この継続的なプロセスは、インスタレーションを絶えず進化させ、人間の状態を記録し続ける果てしないアーカイブを形成していきます。興味深いことに、多くの来場者は自らの結果に強い関心を寄せ、そこに「高いリラックス」のパターンを期待して臨んでいました。 SOUL BUBBLE は、泡のように身体を包み込みながらも、未来のセンシング装置のプロトタイプとしての姿を見せ、テクノロジーが身体に寄り添い、魂に応答し、心と存在の奥に潜む層を浮かび上がらせます。 SOUL BUBBLE is an immersive art installation that visualises an individual’s mental and physical state. Inside a private room surrounded by eleven screens, a visitor sits on a single-seat chair embedded with AI and sensors. The chair records posture, shifts in the centre of gravity, heart rate, breathing, and hand movements, translating these signals into real-time visualisations of the visitor’s inner condition. Emotional states such as relaxation, focus, tension, anxiety, excitement, meditation, or confusion are analysed and expressed as dynamic microbial patterns that unfold across the surrounding screens. At the end of the session, visitors can view their complete data, which is stored and used to refine the AI system. As more participants take part, both individual and collective data accumulate, revealing differences, distributions, and emerging tendencies. This ongoing process allows the installation to evolve continuously, creating an ever-expanding record of human states. Interestingly, many visitors approached the experience with the expectation of seeing a high relaxation pattern in their results. SOUL BUBBLE is a bubble-like prototype of future sensing, where technology surrounds the body, responds to the soul, and reveals the hidden layers of mind and being.

2026年にリリースしたオリジナル楽曲「にび」のミュージックビデオである。楽曲、映像システム、Webアプリを制作した。 「にび」は灰色がかった暗い色を指す。本作ではインクのような着色を映像の原理に据えた。CMYK4色のパーティクルが3D空間を漂い、歌詞やモチーフの形へ集合と離散を繰り返すことで映像を構成する。色の重なりには減法混色の計算を用いており、粒が密集するほどインクが混ざるように暗く沈んでいく。ディスプレイ上の表現でありながら、紙の上の網点が躍る、ダイナミックな印刷物のような質感が立ち現れる。パーティクルは、平面やノイズ、振り子などの図形パターンから文字へ収束し、再び散る。完成した文字の連続ではなく、集合と離散の遷移そのものが映像の見どころである。 本作の映像はすべてWebアプリ上で一続きの動画としてレンダリングされており、MVの動画はカット編集なしのワンカットで書き出されたものである。歌詞の文字は3D空間上に配置されており、作者が設定したカメラアングルによって切り取られる。このWebアプリそのものをビューワーとして公開し、視聴者がブラウザ上でカメラを自由に動かして、MVとして選び取られた視点の外側を探索できるようにした。映像作品の制作プロセスと、作者の視点の選択そのものを体験として開放する試みである。ソースコードもGitHubで公開している。 パーティクルの物理演算にはThree.js WebGPUのTSL compute shaderを使用し、GPUによる大量の粒子のリアルタイム処理を実現した。WebGPU非対応環境ではWebGL 2にフォールバックし、スマートフォンでも動作する。 MV Webサイト https://monotonmusic.com/nibi/

Tyrkouaz - REBOOOOTのミュージックビデオをディレクションしました。 ボリュメトリックビデオや、サーキットベンドしたビデオエフェクターなど様々なアプローチで制作しました。 アーティスト二人が影響を受けたゲームタイトルや、文化を参考に世界観を作りました。 ギター/ドラム2人組のドラムンベースデュオかっこいいです。

本作品は、大阪・関西万博において、EXPO ホール「シャインハット」およびポップアップステージ東外にてアンビエント演出としてプロジェクションマッピング展示・上映された映像作品です。 大阪・関西万博で「こみゃく」として親しまれた「EXPO 2025 Design System」のＩＤをモチーフに、その製作チームの代表者である引地耕太氏をアドバイザーに迎え、避雷がこれまで研究してきた人工生命的生態系システムのノウハウを活かし、リアルタイム映像シミュレーションシステムおよび映像を作成しました。 映像の制作に際し、メタボールを元にプロトタイピングされたというデザインシステムの経緯をリファレンスに、「こみゃく」たちがデザインのアイデンティティをそのままに、まるで生きているかのように振る舞うリアルタイムシミュレータを開発。GPGPUによって大量のこみゃくの相互作用をリアルタイムに計算可能にすることで、インタラクションや一期一会的な動画の生成可能性等、幅広く展開可能なシステムを構築しました。 また、ポップアップステージ東外では、建築の支柱により投影される映像が遮られる構造特性を逆手に取り、その鉄骨のひとつひとつにこみゃくが詰め込まれたような映像を制作。投影面の特性を活かした映像制作に取り組みました。 なお、「こみゃく」という名称はデザインシステムの構成要素であるIDを指す愛称として自然発生的に広まりました。本作品は、そうした二次創作的文化的広がりを踏まえ、意図的に「こみゃく」という呼称を用いています。