WOWは、大阪・関西万博2025のシグネチャーパビリオン「null²」に、クリエイターチームとして、企画・映像・サウンド・演出システム全般に参画。本パビリオンのテーマは「いのちを磨く」。企画初期から演出メンバーとして参加し、展示館内の映像、音響、ロボット制御、体験フローから館外映像まで、多岐にわたるクリエイティブ要素を万博プロデューサーである落合陽一氏とともに数年かけて作り上げた。 脈動する彫刻、対話する空間 本パビリオンは、落合氏により「2つの鏡」がキーワードとして設けられている。1つ目は、未知の風景を生み出す彫刻そのものを指す。鏡面で覆われた外観は、周囲の風景を取り込みながら脈動し、建築物でありながら一つの生命体のように変態を繰り返す。2つ目は、館内での体験そのものを指す。鏡と映像が一体となった空間で、体験者は「きごう※」と向き合い、デジタルヒューマンと対話する場。WOWは主にこの館内体験を担当した。 「きごう」と対峙する空間は、縦横高8mの立方体で、全面が鏡張りとなっている。天井、床、壁面の映像装置と、空間中央に直立する映像体「モノリス」が呼応しながら「きごう」を映し出し、無限に反射を繰り返す。また、空間を象徴する立方体の鏡「ご神体」が頭上で自在に動き回り、視点を変化させながら体験者の心と思考を揺さぶる。鏡を媒体に、意味と物質、自己と他者、リアルとバーチャルの狭間を行き来することで、体験者がいのちとは何かを再考・再解釈し、「いのちを磨く」きっかけを提示する。 ※自身と同じ名前、趣味嗜好、声、外見など、その人らしさを構成する要素 2種類の体験がもたらす異なる視点 提供される体験は、「ダイアログモード」と「インスタレーションモード」の2種類。ダイアローグモードは、落合氏が提唱する「計算機自然」の世界とそれにつながるストーリーを軸に、言語的なコミュニケーションを通じて、観客が「きごう」を手放す体験。インスタレーションモードでは、シンプルな図柄の映像と、それにあわせて空間を動き回るモノリスとご神体を外回廊から鑑賞し、生命の本質となる構造を直感で感じ取れる非言語的な体験。どちらの体験も、ストーリー、映像、音響、ご神体、モノリス、すべてが複雑に連動しているため、WOWは落合氏とともに緻密な演出を重ねた。 技術と表現が融合する演出 体験をより立体的かつ高密度に演出する技術側面として、WOWはAIによるリアルタイム動画生成、3Dガウシアンスプラッティングの表示、音生成、画像エフェクトに加え、体験者が専用アプリで作成するMirroredBodyの表示・発話、ご神体とモノリスのロボット制御など、多様な演出要素を統合。各社と連携し、これらを集約・制御するメインシステムを開発した。また、周波数ごとの特性を活かして綿密に設計された音の演出は、独特の聴覚体験にも寄与した。 有機的な表情を生むロゴデザインとデザインガイドライン WOWはnull²のロゴデザインも担当。動的ロゴでは複数のフォントを用い、さまざまな形態に変容するデザインにした。静止ロゴは、動的ロゴをもとに正規版として調整。いずれも、検証とルールの策定により一定の可読性を保ちつつ、流動的で生命を感じさせるデザイントーンを目指した。 本プロジェクトでは、WOWを含む参加チームが持てる技術と創造力を結集し、万博だからこそ実現できる「null²」という作品を作り上げた。

音を“演奏する”のではなく、音が“生き物として立ち上がる”瞬間を体験する。 音はかたちを持ち、重なり合いながら関係性を生み、群れのように振る舞う。強さや高さといった変化はそのまま表情や動きへと変換され、空間の中で有機的に展開していく。触れるように音と関わり、その変化を直感的に楽しむ体験となっている。 craymonsは、粘土のような性質を持ち、どんな形にも変化し、音を視覚化してくれるモンスター

5 台のワイドディスプレイと 3D センサーによって構成される映像インスタレーション作品。 ディスプレイには、ボリュメトリックキャプチャという技術で生成された作者の 3D モデルが映し出され、さまざまな方位に向けて眼差しを送り続ける。本作での映像のパースペクティブを構成する視錐台の頂点は、常にその眼差しの延長線上に配置するよう設定されているため、鑑賞者は常に動的なアナモルフォーシス（歪像）を体験することになる。ただし、鑑賞者の視点がトラッキングされ、その位置に 3D モデルが眼差しを向ける時、つまり鑑賞者と 3D モデルとが「視線を交わす」時にのみ、それぞれ向きの異なるディスプレイ平面に一つの統合的な空間が現前する。 15 世紀に発明された透視図法は、主体／客体という二元論的な世界の捉え方に強い影響力を持ち続けてきた。本作では、仮想空間の成立条件に眼差しの双方向性を設けることで、その境界や主従の関係を溶解するとともに、そこに生じる視覚体験は、次元の併存する現在のリアリティの在り方を提示する。

2026年にリリースしたオリジナル楽曲「にび」のミュージックビデオである。楽曲、映像システム、Webアプリを制作した。 「にび」は灰色がかった暗い色を指す。本作ではインクのような着色を映像の原理に据えた。CMYK4色のパーティクルが3D空間を漂い、歌詞やモチーフの形へ集合と離散を繰り返すことで映像を構成する。色の重なりには減法混色の計算を用いており、粒が密集するほどインクが混ざるように暗く沈んでいく。ディスプレイ上の表現でありながら、紙の上の網点が躍る、ダイナミックな印刷物のような質感が立ち現れる。パーティクルは、平面やノイズ、振り子などの図形パターンから文字へ収束し、再び散る。完成した文字の連続ではなく、集合と離散の遷移そのものが映像の見どころである。 本作の映像はすべてWebアプリ上で一続きの動画としてレンダリングされており、MVの動画はカット編集なしのワンカットで書き出されたものである。歌詞の文字は3D空間上に配置されており、作者が設定したカメラアングルによって切り取られる。このWebアプリそのものをビューワーとして公開し、視聴者がブラウザ上でカメラを自由に動かして、MVとして選び取られた視点の外側を探索できるようにした。映像作品の制作プロセスと、作者の視点の選択そのものを体験として開放する試みである。ソースコードもGitHubで公開している。 パーティクルの物理演算にはThree.js WebGPUのTSL compute shaderを使用し、GPUによる大量の粒子のリアルタイム処理を実現した。WebGPU非対応環境ではWebGL 2にフォールバックし、スマートフォンでも動作する。 MV Webサイト https://monotonmusic.com/nibi/

これまで映像的な絵画や絵画的なアニメーションといった、領域横断的な制作を続けてきた。本作『Sandbox』は、絵画やアニメーションをゲームエンジンによって置き換える実験である。 本作では、ゲームエンジンを用いて「電子彫刻」を制作し、非触覚的な実在感を可視化しようと試みた。空間をまたぐ残像を追いかけることで、鑑賞者の身体感覚に揺さぶりを与えることを目指す。 同時に、アンビエント音楽のようにゲームが環境に同化する「受動的なゲーム／バックグラウンド・ゲーム」とするため、オートプレイを搭載した。 鑑賞者/プレイヤーはコントローラーで操作する「プレイ」と、コントローラーを使わない「鑑賞」をシームレスに往還する事が可能なインタラクション/インスタレーション。