Tyrkouaz - REBOOOOTのミュージックビデオをディレクションしました。 ボリュメトリックビデオや、サーキットベンドしたビデオエフェクターなど様々なアプローチで制作しました。 アーティスト二人が影響を受けたゲームタイトルや、文化を参考に世界観を作りました。 ギター/ドラム2人組のドラムンベースデュオかっこいいです。

茨城県出身のバンド MARQUEE BEACH CLUB の10周年ライブ「Royal Blue」にて、70分のライブ全編に渡って映像演出をした。 ライブはバンドの地元、水戸市民会館のホールにて開催された。 私は以前より、音楽と対等な存在としてのビジュアル、「ビジュアルミュージック」を探求しています。 音楽を奏でるように、「映像を奏でる」ことはできないのか? といつも考えています。 このライブはその長年の探究の成果であり、一旦の集大成でした。 映像の制作は、私が「DTV（デスクトップビジュアル）」と呼ぶ手法で行いました。 これは「DTM（デスクトップミュージック）」に触発された考え方で、PC1台でライトにビジュアルの制作を行うことを指します。 今回はまず、c++のコーディングを用いて、ビジュアルにおけるシンセサイザーやリズムマシンのような簡易ソフトウェアを大量に自作し、音楽を聴きながらPCのキーボードを叩いて「ビジュアルを演奏」しました。 これは昨年からプロダクトデザイナーの長谷川泰斗氏と共に独自に開発している「映像を奏でる楽器」の一環でもあります。 そして、それらの演奏の画面録画を、After Effects に配置してエディットしました。これは、After Effects をAbleton Liveのような、DAWとして用いる感覚です。 After Effectsはただのエディターであり、モーショングラフィック自体の制作は全てコーディングで行なっているため、結果的に全編がリアルタイムに実行可能な、ライブな映像のみで構成されたVJとなりました。それはお客さんにも伝わるはずです。 ビジュアルミュージックは、オスカー・フィッシンガーやジョン・ホイットニーなどの先人がフィルムの時代から探究を重ねてきた分野です。 彼らは、映像という技術を、抽象的なイメージを動かすことで音楽的なグルーヴを観るものに与える手段、として捉えていたのではないかと思います。 今回は、その文脈を現代のコンピューターとクリエイティブコーディングによりさらに推し進め、同時に、バウハウスに端を発する、構築的で構成的なグラフィックデザインの文化を、音楽ライブのビジュアルにおいて全面的に展開して時間と共にモーションさせる試みでもありました。 今後もこのビジュアルミュージックの探求を続け、映像技術を文化的な装置として使ってみたいと思います。 そして、このビジュアルを受け入れてくれたMARQUEE BEACH CLUBに感謝します。

近年のクライアントワーク、プライベートワークをまとめたReelです。

Roniit氏の楽曲「Purify」からインスピレーションを受けて制作した、オリジナルの映像作品です。 「生まれては散っていく生命」と「壮大で美しくも、どこか儚さや不条理を感じさせる世界」をテーマに、CGで表現しました。 無機質な空間に誕生したひとつの星。そこから生まれた生命は、他の生命との出会い、衝突、そして化学反応を経て、やがて消滅していく―― その一連の過程を、無感情な第三者の視点から抽象的に描いています。 自分の得意とする3DCGやVFXを軸に、ポイントでAI技術も実験的に取り入れながら、さりげなく融合させました。 Roniit氏のファンとして純粋な気持ちで制作したビデオですが、SNSを通じてご本人からメッセージをいただき、さらにシェアまでしていただけたことが本当に嬉しく、大切な作品となりました。

現代メディアに対して、RYO the SKYWALKERさんが抱くネガティブなイメージを具現化。
“コング”と化した彼が暴れ回り、ネガティブな言葉で構成された世界を浄化していくストーリーの作品です。
楽曲に込められたメッセージを視覚的にダイレクトに表現。レゲエの持つエネルギーと共に、ストレートに届けることを目指しました。

BELLを迎えて制作した映像作品としてのダンスビデオです。 ちゃんみなやEXILE ATSUSHIのバックダンサーとしても活躍する彼が、都会の夜を舞台に、情熱を内に秘めながら踊り続ける姿を、シネマティックかつクールに描き出しました。

無数のパーティクルによって形作られた生命体が、幻想的な光をまといながらひたすら歩き続ける、実験的なループ映像作品です。 流動するフォルムと有機的な動きが、神秘的な空気感を生み出し、アンビエントな音楽の持つ世界観をより深く引き立てるよう設計されています。 視覚と聴覚が交錯し、観る者の感性に静かに語りかける、没入感のある映像表現を追求しました。

この映像は、「欲望」という言葉が持つ曖昧さと美しさを、映像という身体で語る試みである。 Aisho Nakajimaの『GANGBANG』は、単なる挑発ではなく、人間の本能と親密さが交差する瞬間の賛歌であり、私はそれを“視覚のオーケストラ”として描こうとした。 舞台は、影と光が交錯する閉ざされた官能的な部屋。そこには性別やアイデンティティの境界が溶け合い、キスや抱擁がひとつの流動的な言語として立ち現れる。360度回転するカメラがゆっくりと空間を巡る中、観客はその世界に「覗く」のではなく、「共にいる」感覚へと導かれていく。 重要なのは、視線の正しさではなく、感覚の正直さである。 クローズアップを多用した撮影は、身体と身体の間に漂う空気や、目線の交わりに宿る脆さを浮かび上がらせる。 ライティングは極限まで絞られ、肌の起伏や息遣いを静かに照らし出す。 影はそのまま、欲望の余白となる。 『GANGBANG』は、誰かの性的な存在そのものをセンシュアルな美として肯定する視覚詩である。 それはポリティカルでもあり、同時にきわめてパーソナル。 「見せる」ことと「感じさせる」ことのギリギリを漂うことで、この作品は、私たちが“つながる”ということの意味を、もう一度問いかけている。

この映像は、ティーンエイジャーの心の中に渦巻く「痛み」と「輝き」の両極を、一つの詩のように描いた作品である。 非線形で断片的に綴られる物語は、まるで記憶の断層の中を彷徨うように、現実と回想を行き来しながら、主人公・Airuの失恋の余韻と、その中に残るかすかな光を描き出していく。 現在の孤独と、過去の優しさ。 叫びと沈黙、温もりと崩壊。 すべてが映像のリズムの中で折り重なり、感情のループを作り出す。 カメラは手持ちで揺れ、追いかけ、感情の乱れを肉体的に映し出す。 照明は実存と記憶を分けるように、現在には青と灰色の冷たいトーンを、回想にはオーバーエクスポーズ気味の暖かい光を使用。ネオンの光はまるで感情のスパークのように、時折画面を染め上げる。 編集では、「切れそうで切れない感情の連なり」をテーマに、マッチカットやディゾルブ、グリッチのような瞬間を散りばめ、観る者の心に余白を残す構成に。映像は、まるで心拍のように緩急を繰り返し、エモーショナルなリズムを奏でている。 本作は、「Y.O.U」というたった一つの言葉の裏にある、痛みと愛の全てを描こうとした映像詩である。 それは自己破壊と再生、愛し方と失い方を、まだ言葉にならない誰かの感情のために紡がれたビジュアル・モノローグ。 まっすぐで、不器用で、だからこそ美しい――そんな「ティーンエイジ」の本質を、映像として焼き付けた作品となっている。

この映像は、「別れの後に残る静かな余韻」を描いています。 既に交わることのない二人。しかし感情の糸だけが、薄く、確かに、空間を越えて残っている。 男女は決して同じフレームに現れることはなく、それぞれの世界の中でただ静かに佇む。 部屋で煙草を吸う男、雨に包まれた車内に座る女。時間は動かず、言葉もなく、 ただ感情だけがそこに漂っている。 本作の核となるのは「反復」です。 歌詞の中で何度も繰り返される “just because” というフレーズ。 それに呼応するように、映像もまた、同じフレームや動作を繰り返し映し出します。 煙を吐く、雨を見つめる、手がハンドルを叩く。 それらはすべて、感情の「ループ」の中に閉じ込められた登場人物たちの心象風景です。 編集では、同じ瞬間を繰り返すことで、時間が溶けていくような感覚を演出しています。 繰り返しの中にも微細な変化――わずかな光の移ろい、呼吸のタイミング、視線の揺れ――が差し込まれ、 感情が完全に静止しているわけではないことを、観る者にそっと伝えます。 ライティングやカメラも、詩的なテンポと密接に連動しています。 淡く拡散した光、雨粒に反射する街灯、煙の中で揺れる影。 すべてが「はっきりしないけれど確かに存在するもの」を表現しています。 『Liquid』は、感情の「曖昧さ」や「言葉にならないもの」に光を当てた映像詩です。 切なさと解放感、静寂と息苦しさ――それらが同居する、まるで夢の中にいるような映像体験。 観る者の記憶や感情の奥深くに、ふと触れてくるような余韻を目指しました。

※本作品には急激な点滅や高速な映像変化が含まれております。これにより、てんかんや光過敏性の症状をお持ちの方は、発作が誘発される恐れがあります。 ご視聴の際は十分ご注意いただき、もし違和感を感じた場合は直ちにご覧になるのをお控えください。 -- 本作品は「受け手を一瞬騙すようなMVを作ろう」という名目で制作した、モーショングラフィックスMV。 昨今のボカロ曲MVでお馴染みとなった”単色背景に一枚絵が配置されている”という構図から始まりつつ、ドロップに入った瞬間にイラストの重音テトが目を開き、背景も激しく動き出すことで、急な温度差によって音楽の中へと引き込む。 熱い思いを力強いビートに乗せた本楽曲に負けないような演出をするべく、ノイズやモッシュなどのデータ的な汚れを多く取り入れ、その中でも心地の良い見栄えになるようなモーショングラフィックスで構成した。

コーネリアスの楽曲"MIND TRAIN"のミュージックビデオ。８小節ごとに風景が変わるように変化する楽曲を、MIND TRAIN＝架空の電車が進む線路として３D空間上に表現した。

世界崩壊を望む少女の等身大の祈りを、抽象的に映像化しました。キャラクターと世界の境界が曖昧になるような、前衛的で破壊的な映像を目指すべく、テクニカルディレクターのAodarumaさんとご一緒し、ひまわりの3DCGはryoma sanpeiさんにお願いしました。

KOMONO LAKEやColdhotのメンバーでもあるサウンドプロデューサー・SKYTOPIAとグラフィックデザイナー・田村育歩が、4作目のコラボシングル「FLUTERRA」をリリース。 UKガレージとトラップビートを基調に、フルートと大地を意味する造語をタイトルにした本作は、音源と映像を並行制作し完成。 限られた色面によるシンプルなベクターアートが、ダイナミックながらもファンシーな生態系を表現している。

KOMONO LAKEやColdhotのメンバーとしても活動するサウンドプロデューサー・SKYTOPIAとグラフィックデザイナー・田村育歩が3つ目のコラボシングル「Run」をリリース。 音源はSKYTOPIA、アートワークは田村育歩が担当。本作は音源と映像が並行して制作され、お互いにインスピレーションを受けながら完成した。 Run(走る)というテーマから、映像のモチーフはエドワード・マイブリッジの“動く写真”を引用。ロトスコープの手法を応用したアナログベースのアスキーアートの映像と、 UKガレージとハウスを基調に印象的なメロディーも盛り込んだトラックが、リスナーの「走り」を彩る。

KOMONO LAKEやColdhotのメンバーとしても活動するサウンドプロデューサー・SKYTOPIAとグラフィックデザイナー・田村育歩がコラボシングル「Pu!se」をリリース。音源はSKYTOPIA、アートワークは田村育歩が担当。 本作は音源と映像が並行して制作され、お互いにインスピレーションを受けながら完成した。グルーヴィーなハウスのビートと鮮やかなメロディーに呼応するように、3DCGのオブジェクト群とポエティックなタイポグラフィが、唯一無二のPulse =「鼓動」を表現する。

85インチの大型ディスプレイを１０台シンクロさせたビデオインスタレーション。 山本信一が2009年から大野哲二氏手がけてきたAudio Visula作品を再構成した。

映像ディレクター／デザイナー：嶋津穂高（MeMeM）の作品集です。 ショートムービーの演出からモーショングラフィックス、ドキュメンタリー映像制作などを制作しています。

Spherephonyはサウンドの質感と視覚的な質感の調和をめざした実験的なミュージックビデオです。 Spherephonyは、球体がさまざまな景観のなかで旅をしていく過程でいろんな音と出会い、奏で、調和していく、クリエイティブの流れや探求していくさまを表現しています。 Spherephony is an experimental music video that aims to harmonize sonic and visual textures. The sphere travels through various landscapes, encountering, playing, and harmonizing with various sounds, expressing the flow of creativity and exploration.